Dans la grande salle de la galerie : 

copyright Nadler Istvan, 2008 

„Il est assez rare que l’on trouve dans l’art hongrois des tendances aussi pures qui puissent s’épanouir pendant un temps donné au sein d’un monde formel tout à fait homogène. Il existe toutefois des personnalités artistiques marquantes, lesquels représentent à travers leurs oeuvres des époques définies et des courants majeurs de l’histoire de l’art. Sans nul doute, Istvàn Nàdler fait partie de ces personnalités indicatrices et joue un rôle déterminant dans l’art hongrois d’après 1945. Non seulement est digne d’admiration l’esprit conséquent avec lequel pendant plus de deux décennies il a développé une idée plastique cohérente puis l’a perpétuellement formée, mais aussi la polyvalence de l’usage
de ses formes ainsi que le courage de mener à fin des changements radicaux tout en suivant certaines conceptions principales”*.

Istvàn Nàdler a commencé sa carrière artistique en tant que l’un des représentants de l’avant-garde radicale des années 1960, créant en Hongrie avec ses contemporains le nouveau statut de l’artiste. Dans sa peinture, il puise dans les premiers temps dans les traditions avant-gardistes des années 1920, alors qu'étant donnée la situation politique du pays il adopte une attitude pouvant être appelée „d’émigration interne”, spécifiques des artistes de l’Europe centrale et de l’Est vers 1940-50**. Ses premières oeuvres sont caractérisées par l’informel et l’abstraction lyrique. Dès lors l’on voit émerger de son art certains aspects devenant plus tard propre à sa peinture : le rôle emotionnel, tantôt symbolique des couleurs, la représentation synthétique de principes créatifs, l’intégration dans son art de préfigurations tirées de l’histoire d’art, de certains motifs et des variations individuellement retravaillées de celles-ci. À partir des années 1970 il devient l’un des représentants les plus marquants du hard edge hongrois. Durant ses voyages d’études faits dans de nombreux pays européens, dont la France, il développe son art grâce à une contemplation et une recherche esthétiques introverties. A la fin des années 1970, les résultats de ses expériences spatiales étaient non seulement diffusés par ses séries d’oeuvres graphiques, mais aussi par ses sculptures. Une nouvelle tournure s’ensuit dans les années 1980, puisque Nàdler met de côté le monde formel géométrique cachet de ses oeuvres précédentes pour passer à une peinture plus libre, moins consciente, inspirée entre autres par la musique minimaliste ou méditative. Ses oeuvres réalisées durant les deux dernières décennies sont marquées par la peinture gestuelle.

La problématique basée sur la dualité de la forme géométrique et du geste dynamique est d’importance déterminante dans son oeuvre : au centre de ses peintures se trouvent une recherche et la découverte de motifs, ainsi que la mise en forme de ceux-ci à travers des gestes picturaux récurrents. Son activité est caractérisée par la formulation expressive de contenus intellectuels. À partir de la moitié des années 1980, Nàdler tend à libérer radicalement son art de son côté personnel, ce qui engendre paradoxalement un art impersonnel, gagnant son importance d’un point de vue existentiel. Pour Nàdler, l’image est un vécu exalté jusqu’à une intensité maximale, dans laquelle se trouvent concentrés conflits et combats, recherches et découvertes. À travers son activité, il a libéré sa peinture du sujet et du motif, et même de sa volonté d’expression.

Après une „pause” de plusieurs années, les champs colorées marquants, doté de significations symboliques, ont retrouvé aujourd’hui leur rôle important dans son oeuvre. Afin d’intensifier les effets des ses champs colorés, Nàdler mélange à la peinture appliquée sur la toile des matières de caractères différents, ainsi nous retrouvons souvent la technique de la peinture à la caséine sur ses tabelaux récents. Une partie de ces peintures, trouvant leurs origines coloristiques dans le ton moyen visible sur les peintures de Nàdler datant des années 1960, sont finalement „arrivées” en 2003 à l’un des points marginaux :
celui du ton noir sur fond noir. Celles-ci, pour être réellement appréciables doivent être éclairées par une lumière effleurante accentuant les marques du pinceaux dans la peinture.

L’intensité des oeuvres les plus récentes du peintre hongrois, exposées à la Galerie Keller, est déterminée par la proportion des couleurs froides et chaudes. Ces peintures représentent en quelques sorte la „voie inverse” des tableaux d’avant 2003, puisque Nàdler est cette fois parti du ton moyen vers le blanc pour arrriver à l’autre point marginal, celui du ton blanc sur fond blanc. Ces tableaux ont gagné grâce à ce coloris un aspect resplendissant, transparent, tout comme les gestes marquants les champs colorés.

Istvàn Nàdler fête ses 70 ans cette année. En hommage à cette année jubilaire, maintes expositions sont organisées en Hongrie (entre autres au Musée Ludwig de Budapest) - l’exposition de ses oeuvres parmi les plus récentes à la Galerie Keller, à Paris, vise de même à célébrer cet événement. Au fil des ans, l’activité de Nàdler a été reconnu à travers des prix tels le prix d’Artiste Méritoire de la République de Hongrie (1997), le prix Munkàcsy (1986) ou le prix Kossuth (2001).

*Lórànd Hegyi: Nàdler Istvàn, Műcsarnok, Budapest, 2001, pp 9.
** Idem